Si c’est une fille - Visite chorégraphiée

« We women, we want to be what we are, and not be what we are made for. »
– Maria Deraisme, 1869 –
Accompanied by part of the team of her next creation Si cest une fille, Marion Alzieu takes a plunge into the question of bodies and their representations in various cultures today. Having a female body is not trivial, society attributes to women different injunctions and obligations depending on the culture or membership.
Choosing the hall of the old chapel, Marion and her dancers weave a performance based on different choreographic aesthetics such as contemporary dance, hip-hop dance, puppeteer techniques. The works present then become full characters of the performance, both sources of inspiration and dance companions.
Some emblematic ones, such as Rodin’s « Eve », Rik Wouters’ « La folle danseuse » or even Aristide Maillol’s « Venus with a necklace », interact with the dancers whose bodies are then permeable to the power of bronze statues. plaster.
How to embody the power of sensuality? How to magnify the beauty of modesty, of vulnerability? How to make body to body with movements, fixed postures?
In a gesture imprinted at the same time of subtlety and of an earthly energy, this performance expresses the unconditional desire to celebrate the woman, to celebrate the bodies, to account for our power.

Pour voir et en savoir plus sur les quatre œuvres du musée des Beaux-Arts de Lyon  citées dans ce texte, utiliser les liens hypertexte.

Jean-Pierre Cortot(1787 – 1843), Pandore, 1819, bronze. 

Auguste Rodin (1840-1917), Ève, 1881, bronze. 

Rik Wouters (1882 –1916), La Vierge folle, dit aussi La Folle danseuse, 1909-1912, bronze. Vous trouverez ici un commentaire sur une autre version en bronze de l’œuvre de Lyon. 

Aristide Maillol (1861-1944), Vénus au collier, 1918-1928, bronze. 

Des arts plastiques, la sculpture est sans doute le plus proche de la danse : si elle fige le mouvement, elle s’en rapproche par son rapport à l’espace. C’est une des nombreuses raisons expliquant le choix de Marion Alzieu de réaliser sa carte blanche dans l’ancienne chapelle du musée. Cet espace, tout comme le jardin visible dans l’introduction de la vidéo, est dédié à la statuaire française du XIXe siècle. On y découvre un grand nombre de corps féminins grandeur nature, non sans lien avec la thématique de la création Si c’est une fille de Marion Alzieu

La chorégraphe a apprécié la variété des couleurs et textures en présence. En effet, hormis le bois, tous les matériaux utilisés en sculpture sont représentés dans la chapelle : terre cuite, plâtre, pierres dont le marbre, et bronze. Ces matières réagissent différemment à la lumière (absorbée ou réfléchie), créant ainsi des ambiances différentes.

Elle a également été particulièrement sensible à la variété des styles. Ainsi les nus hiératiques de la Vénus de Maillol ou de la Pandore de Cortot, remarqués par Marion Alzieu, sont des nus de la tradition classique : peu expressifs, lisses, ils incarnent un idéal. De l’autre côté de la tradition classique, l’Ève de Rodin est un symbole de modernité. Le corps d’Ève est plus naturel et très expressif. De plus, à l’instar de son contemporain Claude Monet dont les touches sont visibles sur les œuvres, Rodin laisse apparentes des traces du processus de création comme les traces d’outils. Cet aspect « non fini » participe de l’expressivité de l’œuvre. Rappelons que l’œuvre en bronze fut dans un premier temps réalisée en plâtre par Rodin. 

Le travail proposé par Marion Alzieu et ses danseurs autour d’Ève nous permet également d’évoquer un lien très fort entre la danse et le monde muséal : la scénographie. Ève, chef d’œuvre du musée, est exposée de manière à être vue et mise en valeur : en hauteur, isolée et entourée d’œuvres disposées symétriquement, dont la blancheur contraste avec le noir du bronze de Rodin. Inspirée par l’isolement de la statue, Marion Alzieu a imaginé ce très beau final dans lequel les danseurs, dans un tourbillon autour d’Ève, portent sa vulnérabilité.

Enfin, les œuvres de la chapelle datant du XIXe siècle, elles sont figuratives et, pour une grande part, narratives. Marion Alzieu ne pouvait qu’être touchée par le sens de deux œuvres d’époques différentes représentant Pandore et Ève. Ces deux figures féminines, liées à  la tradition méditerranéenne, l’une mythologique, l’autre biblique, incarnent la faute originelle et font ainsi porter à la femme la responsabilité des malheurs de l’Homme. Soulignons que c’est le positionnement de ces deux œuvres, chacune à une extrémité de la chapelle, qui a inspiré à Marion Alzieu ce cheminement dans tout cet espace.

Pour finir avec une note plus positive, La Folle danseuse de Rik Wouters représente simplement la joie. L’absolue liberté de ce corps en déséquilibre est un hommage du sculpteur à la grande danseuse américaine Isadora Duncan. L’œuvre nous rappelle que de nombreux artistes furent inspirés par la danse (Rodin, Degas, etc). Elle nous permet également d’évoquer les émotions, matériau essentiel des plasticiens et chorégraphes. Après des jours de travail pour retrouver la liberté exprimée par la danse d’Isadora Duncan, le modèle de Wouters, son épouse, excédé, eut un ultime mouvement d’épuisement et de colère : le mouvement était trouvé, l’artiste n’eut qu’à modifier l’expression du visage. Cette anecdote nous rappelle que des émotions contraires peuvent être très proches, et par là, la complexité et la beauté du travail des artistes. Marion Alzieu, tout en exploitant la rage de ses danseurs sur la condition des femmes tient à évoquer une force tranquille, une douceur féminine : elle fait ainsi alterner dans sa chorégraphie des mouvements très contrastés. Son ambition est de  toucher le public par l’émotion, de créer chez le spectateur un mouvement, une réflexion, de manière subtile, sans aucune injonction.